Día 1

Yo curso historia del arte en el colegio Esclavas de María. Así que quería escribir sobre lo que se habla en clase.

El problema es que iba  a empezar hoy, pero precisamente este día hemos comentado libros y películas que nos han marcado, que nos han encantado o que queríamos ver y leer.

Hemos recordado películas de la infancia, poemas que emocionan, y comentado grandes clásicos como El Principito.

Así, aunque se aleje un poco de la temática de la clase, me han entrado ganas de coger un libro estas Navidades, concretamente La Sombra del Viento, de Carlos Ruiz Zafón.

Ilustradores que seguramente conozcas

Hoy he pensado en citar algunos ilustradores de este siglo que muy seguramente hayas oído nombrar.

Algunos más actuales que otros, pero todos grandes artistas.

Jordi Labanda

Pippa McManus - Australia

Itslopez - Barcelona, España 

https://www.instagram.com/itslopez/?hl=es

Sara Herranz - Tenerife, España

Moderna de pueblo

Viviendo con la chica hipster y la chica gamer

Andy Warhol

Antiguo Egipto

Este imperio estuvo situado al nordeste de África, tenía por límites al norte, el mar Rojo y el istmo de Suez, que lo unía a Asia; al sur el paralelo que pasa por la primera catarata del río Nilo; y al oeste, el desierto de Libia; allí floreció la cultura Egipcia. Esta civilización surgió hacia el año 4000 a.C.

Los principales lideres de Egipto fueron:
Zóser, Keops, El rey Menes, El faraón Kefrén, Los hicsos, Amosis I, El rey Akenatón, Ramsés II.

La religión egipcia fue politeísta. Las divinidades eran representadas por el Sol, la Luna, el Cielo, el Nilo, por seres humanos que formaban generalmente una trinidad de padre, madre e hijo o por animales como el halcón, la vaca, y sobre todo el buey sagrado, llamado Apis.

Los principales dioses del antiguo Egipto son: Amón, Anubis, Atón, Hator, Horus, Isis, Thot, Khnum, Osiris, Sebek, Ptah, Seth y Re.

Los principales aportes del imperio egipcio fueron sus conocimientos sobre la arquitectura, la escultura, la pintura, la escritura y la ciencia.

El arte egipcio es mejor conocido que el de otros pueblos de la Antigüedad. Ello es debido esencialmente a dos hechos: las creencias religiosas de ultratumba (se han conservado numerosos enterramientos)y al empleo de piedra como material en la construcción de sus edificios religiosos y funerarios (templos y tumbas), lo que les ha conferido una gran solidez y durabilidad.
El arte egipcio tiende al gigantismo, es decir, muchos de sus edificios y esculturas son de dimensiones colosales.
La pintura y la escultura en relieve empleada en templos y tumbas, unido al empleo de abundantes jeroglíficos ha permitido conocer con gran detalle la historia del Antiguo Egipto.
A continuación veremos algunos ejemplos.


Principales características del arte egipcio 

• Invariable. Debido a su situación geográfica, el arte egipcio permanece cerrado e impermeable a la influencia de otras culturas, sin apenas evolucionar en 3000 años exceptuando el periodo más naturalista durante el reinado del faraón Akenatón.

• Duradero. La creencia en la vida más allá de la muerte, lleva a querer conservar el cuerpo y las posesiones del difunto para la eternidad y se prefieren los materiales duraderos como la piedra.

• Oficial. Los artistas están al servicio del poder absoluto de los faraones, los sacerdotes y otros miembros de clase elevada. No tienen autonomía.

• Estandarizado. Los artistas están sometidos a unas normas de representación inalterables dando lugar a un arte monótono, repetitivo y falto de originalidad.

• Cánones idealizados. En la pintura y la escultura egipcia la iconografía está supeditada a la representación de ideas como en los jeroglíficos siendo excepcionales las formas naturalistas.

• Religioso. Además de estar determinado por las creencias religiosas, el arte egipcio tiene un carácter mágico y simbólico.

• Áulico. Se exalta a través del arte la grandeza del faraón y de su reino.

• Gigantismo. Para demostrar el poder del faraón se emprenden obras monumentales tan ambiciosas como las grandes pirámides y esfinge de Guiza. 

Arte egipcio: arquitectura

Al ser un arte religioso y estar tan presente la creencia en la vida más allá de la muerte, es lógico que la mayoría de las construcciones que se conservan sean tumbas para los faraones y su corte (mastabas, pirámides e hipogeos) o templos destinados al culto de los dioses.

Es una arquitectura de grandes dimensiones, en la que se prefiere la piedra por su durabilidad aunque también se usan los ladrillos de adobe, adintelada y de líneas rectas.
Arte egipcio: escultura

En las tumbas y templos se han encontrado principalmente esculturas de bulto redondo y bajorrelieves tallados en piedra, bronce o madera pintada. Los motivos son variados: faraones y otros personajes de la corte, dioses, animales y escenas de la vida cotidiana.

La cabeza de las esculturas es la parte más realista aunque sin expresión en el rostro. Los cuerpos se representan de frente, idealizados, rígidos, con los brazos y las rodillas juntas y sin definir la musculatura hasta la época menfita. La importancia de las figuras en la composición se jerarquiza por su tamaño de mayor a menor.

Arte egipcio: pintura

La pintura tiene un valor secundario en el arte egipcio. Se emplea como acabado en la escultura, para decorar paredes de adobe en construcciones menos relevantes y en papiros. Ligada a la escritura jeroglífica, comparte las mismas convenciones de representación que el bajorrelieve: 

• Sin fondo. La superficie es un plano imaginario neutro. 
• Sin perspectiva. 
• Lectura en filas horizontales o verticales. 
• Escala jerarquizada de las figuras dentro de la composición. 
• No existe el punto de vista único. Las imágenes son diagramas compuestos con las partes más expresivas de las figuras. Por ejemplo, una figura humana se representa con las piernas y la cabeza de perfil, pero con un ojo, una ceja y el torso frontal. 

Característico de la pintura egipcia es la importancia de la línea por encima del color, una paleta de colores planos -sin degradar ni efectos de claroscuro- reducida (negro, blanco, azul, amarillo y verde) y sin mezclas.

Escultura     

Artistas del Antiguo Egipto:
Escultores y pintores no eran considerados artistas sino artesanos anónimos con una función práctica al servicio del cliente. Tan solo los arquitectos obtuvieron un mayor reconocimiento por su labor.
Estos oficios solían pasar de padres a hijos y se enseñaban en talleres donde se aprendían los convencionalismos oficiales. Con un concepto del arte muy diferente al dominante hoy en día, no se buscaba la originalidad sino la precisión en el trabajo artesanal.

Arte abstracto

Por supuesto, en el lado opuesto tenemos estilos que no pretenden ser para nada realista, pero que igualmente podemos considerar arte.

El arte abstracto es el estilo artístico que surge alrededor de 1910 y cuyas consecuencias han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX.
El arte abstracto no necesita justificar la representación de las figuras sino que tiende a utilizar un lenguaje visual propio con unos significados variados.
En sus inicios, el arte abstracto dio lugar a grandes polémicas y discrepancias. De hecho, ya en tiempos de la Prehistoria se utilizaron la estilización y el geometrismo. Pero con el paso del tiempo se ha convertido en una fuente inagotable de ideas para los artistas de nuestro siglo y nadie se atreve ahora a poner en duda su existencia e identidad como un arte propio.
El lenguaje que se utiliza esta basado en las experiencias fauvistas y sensaciones del autor, exaltando normalmente la fuerza del color.
También existe la expresión con estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas.
La tradición abstracta conoció un importante renacer en Estados Unidos a partir de finales de los años cuarenta con el Action Painting y con el Colour-Field Painting. Estas tendencias fueron suplantadas a partir de 1960 por la aparición del arte minimalista que inició un nuevo periodo de interés por la geometría y la estructura, periodo de interés por la abstracción, que siguen adoptando numerosos artistas inspirados por las más variadas motivaciones.

Piet Mondrian

Kandinsky

Hiperrealismo

La pintura puede llegar a ser realista hasta el punto en que nos haga dudar si se trata verdaderamente de un cuadro o si nos encontramos frente a una simple fotografía.


El hiperrealismo es una tendencia de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 1960 que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el fotorrealismo que es menos radical.
El término hiperrealismo es también aplicable a la escultura y los cómics.

No hay huellas de pinceladas y el artista parece estar ausente; los cuadros se cubren con una fina capa de pintura, aplicada con pistola y pincel, siendo raspada si es necesario, con una cuchilla para que no quede ningún relieve, ninguna materia.

Otras características del fotorrealismo son la exactitud en los detalles, contrastada con la irrealidad del efecto espacial y la capacidad de convertir en temas pictóricos los detalles visuales de la realidad. Estos pintores ejercen un alto grado de conceptualismo al plasmar la diferencia entre el objeto real y su imagen pintada: lo real, trasladado al lienzo mediante la cámara fotográfica, fotografiado mediante recursos pictóricos. Al utilizar la fotografía en el proceso de la realidad al cuadro, lo real queda roto y manipulado dos veces, en el cuadro y en la fotografía, de ahí el aspecto de irrealidad que diferencia el fotorrealismo del realismo tradicional.

Por ejemplo tenemos al pintor Antonio López García.

 Madrid desde Torres Balncas

Antonio López García (Tomelloso, Ciudad Real, 6 de enero de 1936) es un pintor y escultor español. Su temprana vocación por el dibujo, así como la influencia de su tío, el pintor Antonio López Torres, conformaron su decisión de dedicarse a la pintura.
En 1955, y gracias a una beca, viajó a Italia, donde conoció de primera mano la pintura italiana del Renacimiento. Sufrió así una pequeña decepción al contemplar en vivo las obras maestras que sólo conocía por reproducciones, y que hasta ese momento veneraba. Comenzó a revalorizar la pintura clásica española, que tan bien conocía, gracias a las frecuentes visitas al Museo del Prado, especialmente Diego Velázquez.

Tras terminar los estudios, realizó sus primeras exposiciones individuales en 1957 y 1961 en Madrid, mientras trabajaba tanto en esta ciudad como en la localidad que le vio nacer. En 1961 se unió en matrimonio a la también pintora María Moreno, unión de la que nacieron dos hijas: María en 1962 y Carmen en 1965. Desde este último año y hasta 1969 fue profesor encargado de la Cátedra de preparatorio de colorido en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando.


En 1990 el director de cine Víctor Erice filmó El sol del membrillo, filme en el que se recoge el proceso creativo del artista mientras pinta un membrillero del patio de su casa. En enero de 1993 fue nombrado miembro de número de la madrileña Real Academia de San Fernando y en ese mismo año, el Museo Reina Sofía le dedicó una exposición antológica.
En 2008, el Museo de Bellas Artes de Boston le dedicó una exposición monográfica. Además, su obra Madrid desde Torres Blancas alcanzó en una subasta de Christie's de Londres el 1.918.000£, la mayor cantidad pagada hasta ese momento por una obra de un artista español vivo.
En 2011 el Museo Thyssen-Bornemisza y el Museo de Bellas Artes de Bilbao le dedicaron sendas exposiciones temporales con obras de todas sus etapas, aunque mayoritariamente de su última producción.

Ilustradores

- Tom Schamp es una de las principales referencias cuando hablamos de ilustradores contemporáneos. Este ilustrador belga se ha movido en el terreno editorial, convirtiéndose en uno de los ilustradores infantiles más famosos, aunque en realidad sus trabajos destacan en otro tipo de sector. Un surrealismo muy personal le ha llevado desde el mundo de la publicidad hasta la ilustración editorial.

- Mark Ryden: Este estadounidense ha conseguido uno de los estilos más personales entre los ilustradores más reconocidos, se trata de temas naif, que sin embargo mezclan referencias al mundo pop y crean imágenes de un alto impacto visual. Su estilo está a medio camino entre lo macabro y lo adorable.

- Gary Baseman: Sus ilustraciones son muy reconocibles, incluso la Disney ha contado con él para sus últimos trabajos. Su base es una imagen vintage llena de simbología, rodeada de un surrealismo que recuerda a los temas de Dalí o Max Ernst.
                                          

- Edward Gorey: Si existe un ilustrador que haya influenciado en todo tipo de arte este es Edward Gorey, su estilo sigue presente en todo tipo de artes visuales, desde Tim Burton hasta campañas publicitarias que buscan impacto a primera vista. Una obra oscura y que utiliza como tema principal el humor negro.

- Kiraz: El dibujante armenio marcó un estilo basado en la idea chic, la moda y la posibilidad de hacer llegar la ilustración a nuevos sectores de la sociedad. Sus ilustraciones representaban escenas costumbristas de la alta sociedad.
                                         

Arte prehistórico

Las manifestaciones artísticas de la prehistoria tienen su máxima representación en los llamados artes rupestre, mobiliario y megalítico.
El primero de ellos, el arte rupestre, recibe su nombre de las paredes rocosas de las cuevas y abrigos en los que se realizaban las pinturas. Estas pinturas representaban fundamentalmente animales y escenas de caza.
El arte rupestre está, sobre todo, representado en España y el sur de Francia. En España destacan las pinturas rupestres de las cuevas de Altamira y en Francia las de Lascaux.
En España podemos encontrar dos zonas de pintura rupestre diferenciadas: la zona cantábrica y la levantina.

CARACTERÍSTICAS de la pintura prehistórica

• Naturalismo (profunda observación del artista hacia las presas)
• Policromía. Colores negro, rojo y ocre.
• Roca pulverizada y aglutinada con grasa.
• Aprovechan protuberancias en la pared para dar volumen al animal y sensación de profundidad.
• Pintan con pincel de pelos de animales, con los dedos, con tampón. Mezclan las diferentes técnicas y motivos.
• Es rara la presencia de la figura humana.
• Representaron manos en positivo y negativo de color rojo,negro o pardo. Después apareció elideomorfo o elemento simbólico.
• No se representan escenas sino animales sueltos de gran tamaño, incluso superpuestos.

Pintura de Altamira

✥La cueva de Altamira es una cavidad natural en la roca en la que se conserva uno de los ciclos pictóricos y artísticos más importantes de la prehistoria. Está situada en el municipio español de Santillana del Mar, Cantabria, a unos dos kilómetros del centro urbano, en un prado del que tomó el nombre.

El estilo de gran parte de sus obras se enmarca en la denominada «escuela franco-cantábrica», caracterizada por el realismo de las figuras representadas. Contiene pinturas polícromas, grabados, pinturas negras, rojas y ocres que representan animales, figuras antropomorfas, dibujos abstractos y no figurativos.


Esta podría ser una de las primeras manifestaciones artísticas del ser humano. Seguramente no lo hizo con tal intención, pero no podemos negar su importancia en la historia.